Art Nouveau

I. PENDAHULUAN

Art Nouveau (dari bahasa Prancis untuk "seni baru"), gerakan dalam seni dan desain Barat, yang mencapai puncaknya pada tahun 1890-an. Keunikan gaya nouveau seni datar, pola dekoratif; bentuk organik terjalin seperti batang atau bunga; sebuah penekanan pada handcrafting dibandingkan dengan manufaktur mesin; penggunaan bahan baru; dan penolakan terhadap gaya sebelumnya. Secara umum, garis-garis melengkung dan melengkung juga mencirikan seni nouveau, meskipun bentuk siku-siku juga khas, terutama karena gaya dipraktikkan di Skotlandia dan di Austria.

Art nouveau memeluk semua bentuk seni dan desain: arsitektur, furnitur, barang pecah belah, desain grafis, perhiasan, lukisan, tembikar, logam, dan tekstil. Ini sangat kontras dengan pemisahan seni tradisional ke dalam kategori seni rupa (lukisan dan patung) yang berbeda dan seni terapan (keramik, furnitur, dan benda praktis lainnya).

Istilah art nouveau berasal dari sebuah galeri seni di Paris, Prancis, yang disebut Maison de l'Art Nouveau (Rumah Seni Baru), yang dikelola oleh dealer Prancis Siegfried Bing. Di galerinya, Bing tidak hanya menampilkan lukisan dan pahatan tapi juga keramik, perabotan, logam, dan seni Jepang. Bagian galeri dikhususkan untuk model kamar yang dibuat oleh seniman dan arsitek dalam gaya art nouveau.

Art nouveau berkembang di sejumlah negara Eropa, banyak di antaranya mengembangkan nama mereka sendiri untuk gaya ini. Art nouveau dikenal di Prancis sebagai gaya Guimard, setelah perancang Prancis Hector Guimard; di Italia sebagai floreale stile (gaya bunga) atau Liberty stile, setelah perancang nouveau karya seni Inggris Arthur Lasenby Liberty; di Spanyol sebagai modernisme; di Austria sebagai Sezessionstil (gaya pemisahan diri); dan di Jerman sebagai Jugendstil (gaya remaja). Berbagai nama ini mencerminkan adopsi gerakan yang meluas, yang berpusat di kota-kota besar di seluruh Eropa-Paris dan Nancy di Prancis; Darmstadt dan Munich di Jerman; Brussels, Belgia; Glasgow, Skotlandia; Barcelona, ​​Spanyol; Wina, Austria; Praha, Republik Ceko; dan Budapest, Hungaria.

  II. BRITANIA

Seni nouveau di Inggris berkembang dari gerakan seni dan kerajinan yang sudah mapan. Didirikan pada tahun 1861 oleh perancang Inggris William Morris, gerakan seni dan kerajinan tangan menekankan pentingnya karya buatan tangan. Pengabdian Morris ke artikel buatan tangan adalah reaksi terhadap produk buatan mesin yang buruk yang membanjiri pasar Inggris saat revolusi industri berkembang. Gerakan seni dan kerajinan juga mempromosikan lingkungan yang dirancang secara keseluruhan, di mana segala sesuatu mulai dari wallpaper hingga peralatan perak dibuat sesuai dengan desain terpadu. Perancang nouveau artistik Inggris tahun 1890-an berbagi dedikasi Morris terhadap karya kerajinan tangan dan desain terpadu. Untuk prinsip-prinsip ini mereka menambahkan bentuk dan bahan baru, membangun estetika gaya seni nouveau.

Salah satu contoh awal seni nouveau di Inggris adalah kursi yang dirancang pada tahun 1882 oleh arsitek Inggris Arthur Mackmurdo, yang menunjukkan garis-garis melengkung yang terkait dengan gaya tersebut. Demikian juga, desain kain Arthur Lasenby Liberty, yang membuka toko bernama Liberty & Co. pada tahun 1875, juga menggambarkan ketertarikan pada bentuk organik dan pola hiasan yang melengkung.

Pada tahun 1888 perancang Inggris Charles Ashbee mendirikan sebuah lokakarya dan sekolah untuk para perajin di London. Desain furnitur dan logam Ashbee mencerminkan versi gaya nouveau yang lebih lurus (lurus atau miring). Dalam seni grafis, Aubrey Beardsley menggambar ilustrasi untuk majalah berkala seperti The Yellow Book (1894-1895), dan untuk edisi drama Salomé (1894) oleh penulis kelahiran Irlandia Oscar Wilde. Penggunaan Beardsley yang kuat dari garis dan kurva ganda khas yang dikenal sebagai garis whiplash telah disamakan dengan nouveau seni Inggris dalam imajinasi populer.

Di Glasgow, arsitek Skotlandia Charles Rennie Mackintosh juga mengembangkan versi bujursangkar art nouveau, yang dipekerjakannya di berbagai bangunan dan perabotan mereka. Di Glasgow School of Art, selesai dalam dua tahap (bagian timur 1897-1899, bagian barat 1906-1909), dia menggunakan bahan kontemporer dengan gaya sudut yang anggun. Bentuk sederhana dari eksterior bata dan batu jelas menunjukkan pembagian ruang di dalam gedung, sementara hamparan kaca yang luas memberikan hubungan visual yang kuat antara ruang interior dan dunia luar. Window mullions (pemisah antara panel kaca), pintu, dan pagar menggunakan besi dengan cara yang elegan atau geometris. Desain yang tampaknya sederhana ini menawarkan kontras yang kuat dengan arsitektur hiasan berdasarkan gaya masa lalu yang khas pada saat itu.

   III. BELGIUM DAN PERANCIS

Arsitektur Art nouveau di Brussels berkembang dalam karya desainer Belgia Victor Horta dan Henry van de Velde. Seperti yang dilakukan Mackintosh di Glasgow, perancang Belgia ini berusaha menciptakan gaya baru, terbebas dari referensi sejarah tradisi yang ada. Mereka menggunakan teknologi besi tempa dan besi tempa standar, namun menggunakannya untuk menciptakan bentuk baru yang jelas. Di Hôtel Tassel di Brussels (1892-1893), Horta tidak hanya mengungkapkan kolom struktural yang mendukung lantai dua, namun mengubah bentuk besi cornya menjadi batang mirip tanaman yang berakhir dengan semburan sulur yang saling terkait karena berhubungan dengan struktur lainnya. elemen.

Demikian pula, perancang Prancis Hector Guimard merancang pintu masuk untuk stasiun Metro di Paris (1898-1901) dengan menggunakan logam sederhana dan bentuk kaca yang dihiasi dengan besi tempa lengkung. Ini adalah contoh yang sangat mengesankan dari bentuk naturalistik melengkung karya seni nouveau.

Minat dalam bentuk organik juga ditemukan dalam karya perancang kaca Perancis Émile Gallé. Bekerja dari kampung halamannya di Nancy, Gallé menghasilkan berbagai gelas yang dihiasi daun, tanaman merambat, dan bunga. Dia menyatu lapisan kaca berwarna yang berbeda dan kemudian memotong desain ke kaca untuk mengungkapkan warna yang diinginkannya, sebuah teknik yang juga menambahkan kedalaman desain lebih dalam.

Alphonse Mucha membuat kontribusi serupa untuk pengembangan desain poster art nouveau. Lahir di Cekoslowakia, Mucha bekerja di Paris sebagai seniman grafis dan desainer interior. Posternya melambangkan desain grafis nouveau artistik dengan bentuk alaminya yang rumit, garis melengkung yang cair, dan warna yang kaya.

   IV. JERMAN DAN AUSTRIA

Art nouveau memegang sejumlah kota berbahasa Jerman, yang paling menonjol adalah Munich, Darmstadt, dan Weimar di Jerman, dan Wina di Austria. Dikenal sebagai Jugendstil (bahasa Jerman untuk "gaya muda"), art nouveau dipromosikan di Munich melalui terbitan berkala seperti Die Jugend (Kaum Muda).

Di kepala gerakan Jugendstil Munich adalah Hermann Obrist, perancang Swiss yang menciptakan sensasi dengan pameran sulamannya pada tahun 1896. Pameran ini tidak hanya menunjukkan pemisahan antara seni yang bagus dan yang diterapkan, namun juga mengenalkan publik Munich kepada publik. bentuk organik yang hidup dari seni nouveau. Desain Obrist, meski berdasarkan bentuk alam, kerap berevolusi menjadi bentuk misterius yang menandakan dunia fantasi.

Karya arsitek Jerman August Endell berbagi kualitas visioner ini. Endell berusaha menciptakan bentuk dinamis dan dinamis yang bisa membangkitkan respons yang kuat dalam pemirsa. Patung relief plasternya untuk eksterior Studio Foto Elvira Munich (1896-1897) melakukan hal itu. Bagian naga, sebagian makhluk laut terbang, gelombang pasang, relief teater memperluas bentuk organik seni nouveau ke dalam bidang fantasi visioner.

Tren gaya di Wina mengambil arah yang berbeda secara signifikan. Dipimpin oleh seniman Austria Gustav Klimt, seniman muda dan arsitek membentuk sebuah kelompok bernama Wiener Sezession, atau Vienna Secession, sebagai protes terhadap konservatisme bangunan seni yang mapan di Wina. Seperti yang dilakukan rekan-rekan mereka di tempat lain di Eropa, para desainer Secession menolak gaya sejarah; Tapi di Wina mereka mengungkapkan hal ini melalui penyederhanaan bentuk yang semakin meningkat. Alih-alih merangkul bentuk organik endell atau Obrist di Munich, seniman Wina bergerak menuju desain geometris yang tertahan yang dicontohkan oleh karya Charles Rennie Mackintosh.

Contoh kasusnya adalah Palais Stoclet (1905-1911) di Brussels, dirancang oleh arsitek Wina Josef Hoffmann. Tempat tinggal ini meringkas secara ringkas apa yang telah dikenal di Wina sebagai Sezessionstil (gaya pemisahan diri). Hoffmann menggunakan bahan bangunan tradisional - marmer, kaca, dan perunggu - namun mengatur bangunan di sekitar pintu masuk asimetris yang tidak konvensional. Menguraikan dinding eksterior marmer yang indah adalah kisi-kisi perunggu yang halus dan merayap, yang menunjukkan kualitas yang hampir menyenangkan. Tidak ada referensi sejarah di sini, hanya sebuah bentuk yang elegan dan disederhanakan.

  V. SPANYOL

Pergerakan nouveau seni di Spanyol paling baik dicontohkan dalam karya arsitek Catalan Antoni Gaudí i Cornet, yang desainnya merupakan tanggapan yang sangat pribadi terhadap gagasan seni nouveau pada masanya. Gaudí menciptakan salah satu karyanya yang paling eksentrik di Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (Gereja Keluarga Kudus, dimulai pada tahun 1883, konstruksi sedang berlangsung) di Barcelona. Didominasi oleh empat menara tinggi yang tidak proporsional, gereja tersebut tampaknya merupakan perkembangan yang menakjubkan dari bumi. Desain bunga menutupi façade bangunan, dan ubin yang pecah berkilauan di permukaan riak menara. Di kompleks apartemen Casa Milà (1905-1907, Barcelona), Gaudí menciptakan ilusi terumbu karang batu kapur yang dilubangi air laut selama berabad-abad. Meski seluruh kompleks itu dieksekusi di batu potong, tidak ada satu garis lurus di fasad.

   VI. AMERIKA SERIKAT

Di Amerika Serikat, seni nouveau berkembang secara alami dari tradisi kerajinan pada awal abad ke-19. Furnitur, kaca, logam, dan perhiasan Amerika telah lama diadaptasi dari model Eropa. Perjalanan antara Amerika Serikat dan Eropa mendorong pertukaran gagasan yang terus berlanjut, dan oleh perancang Amerika tahun 1890-an membuat kontribusi signifikan untuk keramik, barang pecah belah, dan arsitektur seni nouveau. Eksposisi internasional di Amerika Serikat tidak hanya menyoroti produk-produk Amerika tetapi juga menarik pengunjung Eropa yang penasaran dengan tren desain yang muncul di pasar baru ini.

Yang paling utama di kalangan inovator nouveau Amerika adalah Rookwood Pottery of Cincinnati, Ohio, dan Tiffany Studios dari New York City. Rookwood mapan pada tahun 1890-an, menghasilkan berbagai macam keramik elegan yang dihiasi dengan bentuk alami yang berwarna lembut. Barang pecah belah dari Louis Comfort Tiffany mungkin merupakan contoh desain art nouveau Amerika yang paling terkenal. Dengan menggunakan kaca Favrile yang dipatenkan (gelas warna-warni yang diproduksi dengan cara mengekspos kaca panas ke asap metalik), Tiffany mendesain kaca patri, lampu, dan berbagai benda kaca lainnya. Warna intens, bentuk organik cair, dan teknik inovatif yang tergabung dalam desainnya memposisikan Tiffany sebagai pemimpin dalam desain nouveau seni internasional.

Arsitek Amerika Louis Sullivan juga memainkan peran berpengaruh dalam penciptaan kosakata desain baru. Meskipun Sullivan paling dikenal karena perkembangan gedung pencakar langitnya, ia juga menghasilkan motif seni nouveau yang inventif untuk detail ornamen di Gedung Wainwright (1890-1891, St Louis, Missouri), Guaranty Building (1894-1895, Buffalo, New York) , Carson Pirie Scott department store (1899-1904, Chicago, Illinois), dan struktur lainnya. Entah di besi tempa atau terra cotta, ornamen Sullivan didasarkan pada bentuk dan pola tanaman yang kompleks dan saling terkait.

  VII. DAMPAK ART NOUVEAU

Art nouveau merupakan awal dari modernisme dalam desain (lihat Arsitektur Modern). Hal itu terjadi pada saat barang konsumsi yang diproduksi massal mulai memenuhi pasar, dan perancang, arsitek, dan seniman mulai mengerti bahwa karya buatan berabad-abad yang lalu bisa hilang. Sambil merekrut kembali tradisi kerajinan ini, desainer art nouveau secara bersamaan menolak gaya tradisional yang mendukung bentuk organik baru yang menekankan hubungan manusia dengan alam.

Sebagai desainer seni nouveau menghapus penghalang antara seni rupa dan seni terapan, mereka menerapkan desain yang baik untuk semua aspek kehidupan - dari arsitektur hingga perak hingga lukisan. Dalam pendekatan terpadu ini, nouveau memiliki pengaruh paling dalam. Berbagai gerakan selanjutnya terus mengeksplorasi desain terpadu, termasuk De Stijl, sebuah gerakan desain Belanda di tahun 1920an, dan sekolah Bauhaus Jerman pada tahun 1920 dan 1930an. Meskipun elemen gaya seni nouveau berevolusi menjadi bentuk modernisme yang lebih sederhana dan efisien, konsep seni nouveau yang fundamental tentang lingkungan yang terintegrasi sepenuhnya tetap menjadi bagian penting dari desain kontemporer.

Romantisisme

I. PENDAHULUAN

Romantisisme, dalam seni, gerakan Eropa dan Amerika berkembang dari sekitar tahun 1800 sampai 1850. Romantisme tidak dapat diidentifikasi dengan gaya, teknik, atau sikap tunggal, namun lukisan romantis umumnya ditandai oleh pendekatan imajinatif dan subyektif, intensitas emosional, dan cita rasa Atau kualitas visioner. Sedangkan seni klasik dan neoklasik tenang dan terkendali dalam perasaan, ekspresi yang jelas dan lengkap, seni romantis yang secara khas berusaha untuk mengekspresikan pendapat oleh perasaan yang terlalu kuat, mistis, atau sulit dipahami untuk didefinisikan secara jelas. Dengan demikian, penulis Jerman E. T. A. Hoffmann menyatakan "kerinduan tak terbatas" untuk menjadi esensi romantisme. Dalam pilihan materi pelajaran mereka, para romantika menunjukkan ketertarikan pada alam, terutama aspek liar dan misteriusnya, dan untuk subjek eksotis, melankolis, dan melodramatis yang cenderung membangkitkan kekaguman atau hasrat.

II. LATAR BELAKANG ABAD 18

Kata romantis pertama kali menjadi bahasa Inggris abad ke-18 dan aslinya berarti "romancelike", yang menyerupai karakter romansa abad pertengahan yang aneh dan aneh. Kata itu kemudian dikaitkan dengan munculnya selera pemandangan liar, prospek "suram", dan reruntuhan, sebuah kecenderungan yang tercermin dalam meningkatnya penekanan pada teori estetika yang agung dibandingkan dengan yang indah. Penulis Inggris dan negarawan Edmund Burke, misalnya, mengidentifikasi kecantikan dengan kelezatan dan harmoni dan luhur dengan luas, tidak jelas, dan kapasitas untuk mengilhami teror. Juga pada abad ke-18, perasaan mulai dianggap lebih penting daripada alasan baik dalam sastra maupun etika, sebuah sikap yang dicontohkan oleh karya novelis dan filsuf Prancis Jean Jacques Rousseau. Puisi romantis bahasa Inggris dan Jerman muncul di tahun 1790-an, dan pada akhir abad ini pergeseran dari akal menuju perasaan dan imajinasi mulai tercermin dalam seni visual, misalnya dalam ilustrasi visioner penyair dan pelukis Inggris William Blake, Dalam foto teman temannya yang terpesona, terpesona oleh Swiss Swiss, Henry Fuseli, dan dalam lukisan monster dan setan muram oleh seniman Spanyol Francisco de Goya.

III. PRANCIS

Di Prancis tahap formatif romantisme bertepatan dengan Perang Napoleon (1799-1815), dan pelukis romantis Prancis pertama menemukan inspirasi mereka dalam peristiwa kontemporer. Antoine Jean Gros memulai transisi dari neoclassicism ke romantisme dengan menjauh dari gaya gurunya yang sederhana, Jacques-Louis David, ke gaya yang lebih berwarna dan emosional, dipengaruhi oleh pelukis Flemish Baroque Peter Paul Rubens, yang ia kembangkan secara seri. Lukisan pertempuran memuliakan Napoleon. Tokoh utama romantisme Prancis adalah Théodore Géricault, yang membawa lebih jauh kecenderungan dramatis dan kolotistik gaya Gros dan yang mengalihkan perhatian pada lukisan tempur dari kepahlawanan hingga penderitaan dan daya tahan. Dalam nya Wroughted Cuirassier (1814) seorang tentara pincang dari lapangan sebagai naik asap dan turun awan tampaknya menimpa pada sosoknya. Sikat kuas dan nada cahaya dan gelap yang saling bertentangan meningkatkan rasa keterasingan dan kerentanannya, yang bagi Géricault dan banyak romantisme lainnya merupakan kondisi manusia yang esensial.

Karya Géricault, Raft of the Medusa (1818-1819), menggambarkan skala heroik penderitaan manusia biasa, sebuah tema yang disuarakan oleh pelukis romantis Prancis terbesar, Eugène Delacroix, dalam pembantaiannya di Chios (1824). Delacroix sering mengambil bahasanya dari literatur, namun ia bertujuan melampaui makna sastra atau doktrin dengan menggunakan warna untuk menciptakan efek energi murni dan emosi yang ia bandingkan dengan musik. Menolak penekanan neoklasik pada bentuk dan garis besar, ia menggunakan halftones yang berasal bukan dari warna yang gelap tapi selain menyesuaikan pelengkap warna. Efek getaran energik yang dihasilkan diintensifkan oleh sapuan kuasnya yang panjang dan gugup. Kematiannya dari Sardanapalus (1827), terinspirasi oleh karya penyair romantis Inggris Lord Byron, secara rinci, namun tindakannya begitu keras dan komposisinya begitu dinamis sehingga efeknya adalah kekacauan yang melanda sosok yang tidak bergerak dan acuh tak acuh dari kematian. raja.

  IV. JERMAN

Lukisan romantis Jerman, seperti puisi dan filsafat romantis Jerman, terinspirasi oleh konsepsi alam sebagai wujud ilahi. Hal ini menyebabkan sebuah sekolah lansekap simbolis, diprakarsai oleh lukisan mistis dan alegoris Philipp Otto Runge. Eksponennya yang terbesar, dan pelukis romantis terbesar di Jerman, adalah Caspar David Friedrich, yang lansekap meditatifnya, dilukis dengan gaya jernih dan teliti, berada di antara perasaan mistis yang halus dan rasa kesepian dan keterasingan melankolis. Di Laut Polar (1824), pesimisme romantiknya paling banyak diungkapkan; Sisa-sisa kapal yang hancur hampir tidak terlihat di balik piramida lempengan es yang tampaknya merupakan monumen untuk kemenangan alam atas aspirasi manusia.

Sekolah lukisan Jerman lainnya dibentuk oleh kelompok yang disebut orang Nasrani, yang mencoba memulihkan gaya dan semangat seni religius abad pertengahan; Tokoh utamanya adalah Johann Friedrich Overbeck. Terkemuka di antara seniman kemudian dalam tradisi romantis Jerman adalah Moritz Austria von Schwind, yang subjeknya diambil dari mitologi Jerman dan dongeng.

  V. INGGRIS

Lanskap yang diliputi oleh perasaan romantis menjadi ekspresi utama lukisan romantis di Inggris, seperti di Jerman, namun para seniman Inggris lebih inovatif dalam gaya dan teknik. Samuel Palmer melukis lanskap yang dibedakan oleh kesederhanaan gaya yang tidak berdosa dan perasaan religius visioner yang berasal dari Blake. John Constable, berpaling dari pemandangan alam liar yang diasosiasikan dengan banyak penyair dan pelukis romantis, menanamkan pemandangan Inggris yang tenang dengan perasaan mendalam. Artis besar pertama yang bekerja di udara terbuka, ia mencapai kesegaran penglihatan melalui penggunaan warna bercahaya dan tebal, kuas tebal. J. M. W. Turner mencapai visi bergambar paling radikal dari setiap seniman romantis. Dimulai dengan lanskap yang mengingatkan pada pelukis Perancis abad ke 17 Claude Lorrain, ia menjadi, dalam karya-karya kemudian seperti Badai Salju: Perahu Uap di Tepi Laut Harbor (1842), hampir sepenuhnya memperhatikan efek atmosfir dari cahaya dan warna, awan pencampuran, kabut. , Salju, dan laut menjadi pusaran dimana semua benda yang berbeda dilarutkan.

  VI. AMERIKA SERIKAT

Manifestasi utama lukisan romantis Amerika adalah Hudson River School, yang menemukan inspirasinya di padang gurun yang kasar di timur laut Amerika Serikat. Washington Allston, lansekap Amerika pertama, memperkenalkan romantisme ke Amerika Serikat dengan mengisi lanskap puitisnya dengan perasaan subjektif. Tokoh terkemuka dari Hudson River School adalah Thomas Cole kelahiran Inggris, yang penggambaran hutan purba dan puncaknya yang menjulang tinggi menyampaikan rasa keagungan moral. Gereja Frederic Cole mengadaptasi gaya Sungai Hudson ke lanskap Amerika Selatan, Eropa, dan Palestina.

  VII. AKHIR ROMANTISISME

Menjelang pertengahan abad ke-19, lukisan romantis mulai menjauh dari intensitas gerakan orisinil. Di antara prestasi yang luar biasa dari romantisme akhir adalah lanskap atmosfer Prancis yang tenang dan tenang, termasuk Camille Corot dan Théodore Rousseau. Di Inggris, setelah tahun 1850, Pre-Raphaelites menghidupkan kembali misi medievalizing Nazarenes Jerman.

VIII. PENGARUH

Pengaruh romantisme pada lukisan berikutnya telah meresap. Sebuah garis dapat dilacak dari Polisi melalui sekolah Barbizon menjadi impresionisme, namun keturunan romantisme yang lebih langsung adalah simbolisme (lihat Gerakan Simbolis), yang dengan berbagai cara mengintensifkan atau menyempurnakan karakteristik romantis dari subjektivitas, imajinasi, dan gambaran aneh dan bermimpi. Pada abad ke-20 ekspresionisme dan surealisme telah membawa kecenderungan ini lebih jauh lagi. Namun, dalam artian, hampir semua seni modern dapat dikatakan berasal dari romantisme, karena asumsi modern tentang keutamaan kebebasan artistik, orisinalitas, dan ekspresi diri dalam seni pada awalnya dipahami oleh romantisme yang bertentangan dengan prinsip klasik tradisional. seni.

Potret

I. PENDAHULUAN

Potret, representasi visual dari masing-masing orang, dibedakan oleh referensi untuk karakter subjek, posisi sosial, kekayaan, atau profesi. Dalam arti luas, potret dapat mencakup representasi dari hewan (hewan peliharaan disukai atau hadiah pemenang ternak, misalnya) atau bahkan representasi dari tempat tinggal. Seperti dibahas di sini, bagaimanapun, potret hanya merujuk pada gambar orang.

II. KARAKTERISTIK potret

elisya maranti

Portraitists sering berusaha untuk kemiripan visual yang tepat. Namun, meskipun identifikasi yang benar pemirsa dari pengasuh adalah yang paling penting, replikasi yang tepat tidak selalu tujuan. Seniman mungkin sengaja mengubah penampilan mata pelajaran mereka dengan menghiasi atau menyempurnakan gambar mereka untuk menekankan atau meminimalkan sifat tertentu (fisik, psikologis, dan sosial) dari subjek. Pemirsa kadang-kadang memuji paling sangat gambar-gambar yang tampaknya terlihat sangat kecil seperti pengasuh karena gambar ini dinilai untuk menangkap beberapa kualitas nonvisual subjek. Dalam masyarakat non-Barat potret kurang cenderung untuk menekankan kemiripan visual yang dari dalam budaya Barat.

Potret dapat dieksekusi dalam media apapun, termasuk batu patung dan kayu, minyak, dicat gading, pastel, encaustic (wax) pada panel kayu, tempera pada perkamen, diukir cameo, dan dipalu atau menuangkan logam. Lihat juga Woodcarving; Lukisan cat minyak; Ukiran gading; Krayon; Lukisan Encaustic; Tempera Lukisan; Founding; Metalwork.

Potret dapat mencakup hanya kepala subjek, atau mereka dapat menggambarkan bahu dan kepala, tubuh bagian atas, atau seluruh tokoh ditampilkan baik saja duduk atau berdiri. Potret dapat menunjukkan individu baik sadar diri berpose dengan cara yang menyampaikan rasa keabadian atau ditangkap di tengah-tengah pekerjaan atau kegiatan sehari-hari. Selama beberapa periode sejarah, potret yang parah dan menekankan otoritas, dan selama periode lain seniman bekerja untuk berkomunikasi spontanitas dan sensasi kehidupan.

III. PENILAIAN potret

Potret dianggap sebagai subkelompok khusus seni, dan karena itu memiliki standar dan kriteria sendiri. Sebuah potret dinilai, sebagian, pada seberapa dekat menyerupai penampilan subjek. Potret, bagaimanapun, tidak terbatas untuk hanya menciptakan penampilan dan situasi eksternal dan sering sangat dihargai untuk menggambarkan berbagai kualitas individu atau kelompok. Seniman memanfaatkan unsur-unsur mereka potret-latar belakang, alat peraga, atau gunung untuk sitter (takhta atau kuda, misalnya) -untuk memberikan informasi tentang karakter subjek atau tempat dalam masyarakat. potret paling dihargai menunjukkan komposisi yang kuat, penanganan halus bahan, dan sebuah aplikasi yang sesuai atau menarik warna. Lihat juga Patung; Lukisan; Gambar; Cetakan dan Seni Grafis; Folk Art.

IV. FUNGSI Portraiture

Portraiture memiliki fungsi yang luas dan beragam. Dalam Kekaisaran Romawi (44 SM-AD 476), potret kaisar diminta untuk hadir agar proses pengadilan berlangsung. Banyak masyarakat menganggap potret sebagai cara penting untuk menyampaikan status dan mengakui kekuasaan dan kekayaan. Selama Abad Pertengahan (abad ke-5 untuk abad ke-15) dan Renaissance (abad ke-14 ke abad ke-17), potret donor yang termasuk dalam karya seni sebagai alat verifikasi patronase, kekuatan, dan kebajikan. Banyak masyarakat telah mempekerjakan potret sebagai sarana mengingat mati. potret mumi Mesir dan masker kematian Romawi memainkan peran penting dalam ritual kematian. patung potret Jepang memperingati biksu meninggal, dan tengkorak refashioned menjadi manusia hidup adalah representasi peringatan dari leluhur di Oceania.

V. Portraiture DI EROPA DAN AMERIKA

Sejarah potret mencakup sebagian besar sejarah seni Barat, dari seni peradaban Mesir dan Yunani kuno untuk seni modern Eropa dan Amerika Utara.

A. Portraiture Kuno

Representasi pertama individu diidentifikasi tanggal dari penyatuan Mesir Hulu dan Hilir sekitar 3100 SM. Selama Kerajaan Kuno (2575-2134 SM), jenis ini potret berkembang, terutama di representasi penguburan dari firaun dan bangsawan. Diukir dari beberapa bahan yang paling tahan lama dikenal (diorit, batu tulis, dan granit), dengan subyek duduk di kaku, pose menatap, potret ini menyampaikan otoritas kekal, tidak berubah-ubah dari kehidupan sehari-hari. Selama Kerajaan Baru (1550-1070 SM), potret yang lebih naturalistik dibuat, terutama ketika Firaun Akhenaton, yang memerintah dari sekitar 1353-1335 SM, memperkenalkan gaya baru untuk potret Mesir. Dalam gaya baru ini, penggambaran anggota keluarga kerajaan yang diyakini telah didasarkan pada penampilan yang sebenarnya subyek '. Subyek potret ini memiliki dahi yang membesar dan membengkak bentuk perut-montok yang kontras dramatis dengan keparahan sudut pendahulu mereka. Beberapa sarjana merasa bahwa pertama nyata potret-gambar yang menggambarkan penampilan unidealized spesifik individu-tanggal dari periode ini. Lihat juga Seni Mesir dan Arsitektur.

Contoh awal dari patung potret Yunani tanggal dari SM abad ke-5. Meskipun hidup dan hidup, patung ini, yang digambarkan pemuda bertekad dan tampan, yang gambar sering ideal. catatan sejarah mengkonfirmasi bahwa lukisan potret juga dieksekusi pada periode yang sama di Yunani. penulis Romawi Pliny the Elder menceritakan bahwa, dalam penggambaran Pertempuran Marathon (490 SM), pelukis Panainos, saudara pematung Yunani Phidias, digambarkan para pemimpin pertempuran dengan kepala tegak. patung dipahat dari Helenistik Umur (abad ke-4 untuk bc abad ke-1) menampilkan naturalisme yang luar biasa dan sering mengekspresikan emosi asli. Lihat juga Seni Yunani dan Arsitektur: Sculpture Helenistik (323-31 SM).

Bangsa Romawi yang ahli dalam memberikan individu. Beberapa ulama berpendapat bahwa itu adalah praktek membuat dan menjaga topeng kematian nenek moyang (dikenakan oleh korban dalam prosesi pemakaman) yang menyumbang keterampilan besar dengan yang Roman portraitists ditangkap individualitas pelajaran mereka. Banyak patung potret bertahan hidup, termasuk gambar dari penguasa Romawi serta representasi pedih warga berusia. Terutama penting adalah potret mumi dari wilayah Al Fayyum di Mesir. Dicat selama iklan abad ke-2, potret ini menggambarkan orang yang menatap terbelalak di penampil. Representasi sedikit disederhanakan menatap mata pelajaran mengantisipasi tingkat keparahan dan orientasi frontal dari potret abad pertengahan awal. Lihat juga Roman Seni dan Arsitektur; Roma kuno; Rum.

B. Periode Medieval

Seni Kristen awal, yang berasal dari abad ke-3 untuk abad ke-7, termasuk potret dalam mosaik (kotak kecil dari batu atau kaca set ke permukaan dinding) dan potret patung (lihat awal Kristen Seni dan Arsitektur). kuburan batu, yang dikenal sebagai sarkofagus, sering termasuk penggambaran almarhum dalam bingkai melingkar. Dikenal sebagai imago clipeatae, gambar ini umumnya bergaya, mengandalkan kosakata standar citra untuk wajah dan gambar, dan proporsi mereka umumnya jongkok. potret mosaik, seperti yang di apse gereja Bizantium dari San Vitale, Ravenna, Italia (526-547), menggambarkan pelajaran mereka di gambar frontal bergaya yang menyampaikan otoritas (lihat Bizantium Seni dan Arsitektur). buku Injil abad pertengahan termasuk potret penulis Injil, menunjukkan menulis di meja mereka. Datar dan kadang-kadang rumusan, potret ini sering disampaikan pemahaman artis dari penulis berdasarkan teks penulis. Bangsawan dan raja-raja menugaskan berbagai buku, yang dihiasi dengan potret mewah dari individu-individu. Contoh buku-buku ini bertahan dari periode Carolingian (abad ke-8 ke abad ke-9) melalui era Gothic (abad ke-12 ke abad ke-15). Lihat juga Romanesque Seni dan Arsitektur; Gothic Seni dan Arsitektur; Naskah Pencerahan.

C. Renaisans

Renaissance merupakan titik balik dalam sejarah potret. Sebagian dari bunga di alam dan sebagian dari kepentingan dalam budaya klasik dari Yunani kuno dan Roma, potret-baik dicat dan diukir-diberi peran penting dalam masyarakat Renaisans.

medali potret, berdasarkan medali yang dibuat di zaman klasik, yang populer di Italia. Mereka dengan Pisanello sangat patut dicatat. Artis juga menghidupkan kembali praktek klasik membuat patung potret, contoh yang baik dari yang yang sangat naturalistik patung oleh Antonio Rosellini dan patung-patung elegan Francesco Laurana. potret profil, terinspirasi oleh medali kuno, yang sangat populer di Italia antara 1450 dan 1500. Kemudian, potret profil digambarkan donor, diwakili dalam lukisan dan altarpieces mereka ditugaskan. portraitists penting termasuk Sandro Botticelli, Raphael, dan Leonardo da Vinci. Mungkin terbaik pelukis abad ke-16 adalah artis Venetian Titian, yang memerankan tokoh-tokoh terkemuka pada zamannya. seniman Mannerist Italia menyumbang banyak potret luar biasa yang menekankan kekayaan materi dan pose elegan yang kompleks, seperti dalam karya Agnolo Bronzino dan Jacopo da Pontormo. Salah satu portraitists terbaik abad ke-16 Italia itu Sophonisba Anguissola dari Cremona, yang diresapi nya individu dan kelompok potret dengan tingkat baru kompleksitas.

seniman Eropa Utara menggunakan format profil jauh lebih sering, dan sangat jarang setelah 1420. Di Belanda, Jan van Eyck adalah pelukis terkemuka; Arnolfini Marriage (1434, Galeri Nasional, London) adalah rinci full-length potret pasangan. Memimpin potret seniman Jerman termasuk Hans Holbein yang Muda dan Albrecht Dürer.

D. Baroque dan Rococo

Selama periode Barok dan Rococo (abad ke-17 dan abad ke-18, masing-masing), potret menjadi lebih penting. Dalam masyarakat yang didominasi semakin oleh para pemimpin sekuler di pengadilan kuat, gambar tokoh opulently berpakaian berdua simbol kekuasaan duniawi dan kekayaan, dan sarana untuk menegaskan otoritas individu-individu tertentu. pelukis Flemish Sir Anthony van Dyck dan Peter Paul Rubens unggul di jenis ini potret. Juga selama periode ini, seniman semakin mempelajari ekspresi wajah yang disertai emosi yang berbeda dan mereka menekankan penggambaran ini perasaan manusia dalam pekerjaan mereka. Secara khusus, pematung Italia Gian Lorenzo Bernini dan pelukis Belanda Rembrandt menjelajahi banyak ekspresi wajah manusia. bunga ini dipupuk penciptaan karikatur pertama, dikreditkan ke Carracci Academy, yang dijalankan oleh pelukis dari keluarga Carracci pada akhir abad ke-16 di Bologna, Italia (lihat Carracci, Annibale).

potret kelompok yang diproduksi dalam jumlah besar selama periode Barok, terutama di Belanda. pelukis Belanda Frans Hals digunakan garis putus-putus warna hidup untuk memeriahkan potret kelompoknya, dan Rembrandt bereksperimen dengan memperkenalkan waktu dan referensi sejarah ke dalam potret kelompok, terutama di Malam terkenal Watch (1642). bust Bernini Scipione Borghese (1632) menangkap subjek di tengah-tengah percakapan dan dianggap sebagai patokan potret baroque baik karena penggambaran manusia hidup yang subjek dan karena itu menunjukkan subjek dalam tindakan. Lihat juga Baroque Seni dan Arsitektur.

artis Rococo, yang secara khusus tertarik pada hiasan kaya dan rumit, unggul di potret halus. perhatian mereka ke rincian gaun dan tekstur meningkatkan kemanjuran potret sebagai wasiat untuk kekayaan duniawi (lihat Rococo Style). pelukis Perancis François Boucher dan Hyacinthe Rigaud terbukti menjadi penulis sejarah yang luar biasa dari kemewahan, seperti pelukis Inggris Thomas Gainsborough dan Sir Joshua Reynolds. Pada abad ke-18, pelukis perempuan memperoleh pentingnya baru, khususnya di bidang potret. artis wanita terkenal termasuk pelukis Perancis Élisabeth Vigée-Lebrun, artis pastel Italia Rosalba Carriera, dan artis Swiss Angelica Kauffmann.